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interview by jonathan cherry @ mull it over

JONATHAN CHERRY: Can you name a couple of people who inspire you and why?
 
ALEJANDRO CARTAGENA: Lately I have been reading David Harvey and other social theorists. Maybe I am just a romantic and still believe that we can make a difference in the world, and these people are poignant on their theories about social and urban justice and that just really motivates me to do what I do. Music inspires me a lot too. Lately I´ve been listening to Ryan Adams, Monsters of folk, Frightened rabbit, Death Cab for Cutie. Photographically I get inspired by work that gives me a mental boost; things that are obvious but observed and conceptualized in ways that captivate me. Work by Paul Graham, Joel Sternfeld, Eugenio Espino Barros, August Sanders, Robert Adams, Joe Deal, Duane Michals, Les Krims, Jurgen Klauke, Ger Dekkers, Chargesheimer, Gerardo Montiel Klint and many others inspire me.
 
JC: What was the last photography book or magazine or zine you picked up?
 
AC: Foam talent edition and Securitas by Joan Fontcuberta
 
JC: What is your project ‘between borders’ all about?
 
AC: Between borders is a story of people trapped between a physical and ideological border. I came across the Division del Norte community by chance while working on a commission in Reynosa, in northeastern Mexico. The border has been something that has always attracted me. I live about 2 hours from the US border and have has a long term relationship with cities in Texas. When I started visiting this community I felt compelled to tell their story and to challenge my image making. I was fully convinced that “documenting” was something that I had indirectly done but had always searched for more conceptualized approaches, so I wanted to get into a story with no back ground just the actual interaction with the subject. These people live at the edge of drug dealers, “mañosos”, oil excavations, coyotes and a chaotic city. I started of with a simple question of why they have decided to live secluded from all that surrounds them?, and go from there. Eventually what I am striving for is to portray another side to the life in the US/Mexico border that is not all violence. At the end I can´t detach myself from trying to go further than just a “documentation”…
 
JC: What is the first photograph above all about?
 
AC: I was hanging out with some of the kids and they wanted to show me there house. when we got there the mother was watching a soap opera. I saw the TV from outside and waited for the picture. I love it because the scale is almost life size that it almost looks like a real person.
 
JC: Is there anything exciting on the horizon line that you are excited about?
 
AC: My new and in progress projects I will be working on this December-January. I feel a rush going back out to take pictures after a few months off.
 
JC: How do you feel the project ‘a symbolic layering’ is going so far?
 
AC: After finishing the Suburbia Mexicana project I felt I needed to shorten my way of producing work. That is, not to be so extensive with a body of work and try to summarise a big idea into 15 to 20 images. In that sense the project is half way done. Still, I have been photographing all threw 2009 and haven’t finished yet. Conceptually the work is very strong, at least for me, because I feel that again, as I did with Suburbia Mexicana, I am approaching a recurrent visual theme in photography but asking questions that stem towards an understanding and advancement of the urban structure and not mere “romantizations” of the man built structure. I am looking for an almost anthropological understanding of why these urban forms exist in the Latin American context and what I have observed is a prevalence of power impositions over functionality. This is why they are symbolic; they stand more as representations of corruption, lack of standards and planning and personal obsessions from the people either building them or ordering the building of them. Like a say in my statement: “In Latin America, and more specifically in México, we can phrase this situation as a pharaonic edifice where, as Ana Elena Mallet mentions in here text México City: From Constant Crisis to Failed Modernity, every six years, a new government in power presents delirious modernization projects that are bestowed to the coming generations; a sensationalistic gesture by which it tries to immortalize evidence of its desperate (and failed) attempt to overcome the irrevocable state of inertia.The contemporary Latin American city seems to be nothing more than a dissimilar group of symbolic layers where many physical infrastructures stand more as a sign of corruption, bad taste and the inability to plan but mostly as gestures of the lack of power citizens have in the construction of their habitable spaces. Finally these images stand as reminders of how as citizens we have been transformed, for we are subconsciously, to some point, the city in which we live”.
 
JC: How do you see this project developing?
 
AC: Basically what I am doing is observing the urban structure, looking for places where not only these structures stand out, but that at the same time there is a sense of intrusion. Most of the photographs I have taken include the structure from a view point where you can visualize how the structure is not completely mimetic with its surroundings; the architectural styles are different, businesses have been closed because of its imposition, there are blocked and unusable street lights, blocked facades, etc. Right know I am just roaming around 9 cities looking for similar situations that will help portray my point.
 
JC: How are you coping only photographing landscapes rather than portraits for ‘a symbolic layering’?
 
AC: This particular project came to me when I was convinced that urban landscape is a perfect reflection of society and in that sense I need not to do portraits. But I contradict myself sometimes. Now I am doing more portraits. I feel I need to be risky at the beginning of my career. There is absolute freedom to do what ever comes to my mind. I don’t know if that is forever.
 
JC: What equipment have you been using for this project?
 
AC: To make my work more effective and not be shooting like crazy I have been using a Sinar 4×5. It is expensive to shoot 4×5 in Mexico! and so this keeps me focused.
 
JC: Any other thoughts?
 
AC: It is an exciting time to photograph. Access to information and work from peers and many contemporary photographers permits you to confront your work and look for grander schemes. I think we cant be naive about what we photograph, and personally I think a commitment towards advancing the understanding of our world will produce an understanding of ourselves and photography is a medium that is very accessible for producers and viewers. I am looking forward for a crazy 2010.

Alejandro Cartagena llega a Houston con sus paisajes de la urbe desmedida/entrevista por david dorantes para houston chronicle posteada en blogs.chron.com/labutaca

El fotógrafo mexicano Alejandro Cartagena llega a Houston para participar en la exposición International Discoveries II, que se inaugura el jueves 5 de noviembre y en la que presenta sus impactantes imágenes del ensayo fotográfico Suburbia Mexicana.
 
En sus fotos, Cartagena retrata la desolación del desmedido crecimiento urbano en las metrópolis de su país como una suerte de crítica social al anhelo capitalista de poseer una casa.
 
En la exposición , organizada por Fotofest, también participarán los fotógrafos chinos We Bei, Kurt Tong y Minstrel Kuik Ching Chieh, la canadiense Christine Laptuta, la británica Rizwan Mirza, el japonés Takeshi Shikama, la australiana Veer Speers y la coreana Mimi Youn. La curadora fue la crítica de arte estadounidense Wendy Watriss.
 
Cartagena, en entrevista desde su natal Monterrey, en el estado de Nuevo0 León, dice que su serie de fotografías evolucionó de ser un ensayo fotográfico sobre la ciudad mexicana y sus espacios habitados y vacíos para convertirse en un comentario sobre las construcciones ideológicas y culturales sobre lo que significa la propiedad privada para el habitante urbano desde el paisajismo.
 
“Solo hay que pensar: ¿por qué repentinamente se dio este crecimiento desmedido? ¿De dónde salieron todas estas personas que ahora quieren una casa propia? ¿No vivíamos sin poseer este bien material? México no se ha duplicado demográficamente… Se han duplicado las casas habitación” explica Cartagena.
 
El artista, de 32 años y que estudió la carrera de Administración del Tiempo Libre en la Universidad Mexicana del Noreste, asegura que entiende “la satisfacción social y cultural que implica el poseer casa”.
 
“Pero lo que creo es algo que se debe ver críticamente es que no todos la necesitan si éstas van a estar a horas de su trabajo o a un costo muy alto y mal construida. Mi trabajo es un trabajo sobre el México del siglo XXI que funciona con un capitalismo pirata”, agrega.
 
Las fotografías de Cartagena, quien posa su mirada sobre paisajes desprovistos de personas, recuerdan las del estadounidense Ansel Adams o las del mexicano Mito Covarrubias en una suerte de intertextualidad de la imagen en la que, por supuesto sin conocerse, los tres artistas dialogan en sus imágenes por medio de los puntos en común sobre la vastedad del paisaje.
 
“Venía trabajando con el retrato y sentía la necesidad de explorar otro aspecto de la fotografía. Me puse el reto de hablar sobre una cultura sin presentar personas: el paisaje como reflejo de la sociedad mexicana”, asegura Cartagena.
 
Sin embargo, matiza el fotógrafo, “al final del proyecto opté por representar a algunos de los habitantes de los nuevos suburbios buscando documentar la humanización de espacios arquitectónicos además de darme la oportunidad de visualizar algunas de las vicisitudes por las que éstos atraviesan”, explica sobre el por qué las personas casi no aparecen en sus imágenes.
 
Cartagena ha realizado más de 50 exposiciones individuales o colectivas en las ciudades mexicanas de Pachuca, Hidalgo; Mérida, Yucatán; Guadalajara, Jalisco; y su natal Monterrey, Nuevo León; además de hacerlo en Estados Unidos, en Santa Fe, Nuevo México; Los Ángeles y San Francisco, California; Rochester, Nueva York y Fort Collins, Colorado, entre otras.
 
Cartagena reconoce muchas influencias que trascienden el espectro fotográfico y señala que en su obra hay reflejos de teoría política, economía social, urbanismo y psicología, entre otras.
 
Entre esas influencias menciona los trabajos de fotógrafos de las décadas de los años 70 y 80, que, dice, le abrieron el camino para observar de manera crítica el entorno urbano. También reconoce la influencia de los fotógrafos paisajistas del siglo XIX, de su esposa, que, dice, como psicóloga le ayuda a señalar aspectos que en ocasiones no ve en su obra, y del escritor británico David Harvey.
 
“Pero de dos años para acá lo que más me ha influido han sido libros sobre urbanización, política económica, y textos sobre cultura”, explica Cartagena.

Entrevista en la revista la rocka, noviembre 2009

Por HécTor alVarado díaz Fotos: aleJandro carTaGena
 
1) ¿Eres pausado o atesoras el instante previo a la fotografía?
Me interesa la idea de profundizar mentalmente. Me apasiona el conocimiento y lo que te permite ver. Después viene la foto. Pero no siempre es así.
 
2) ¿qué tan importante es la cotidianidad en tu trabajo?
En mis imágenes ves mi vida, lo que hago y lo que pienso. En ocasiones pienso mucho antes de una foto y en otras soy un freak de tomar fotos. ¡Mi familia me odia por esto! No te creas. Me gusta lo profundo y lo banal, pero que cuando veas las imágenes te permita sentir un deleite visual o mental.
 
3) ¿Te persiguen los demonios?
¿A quién no? Pero creo que mis demonios han pasado a ser mis mejores amigos.
 
4) ¿Te sumerges en la moda o le sacas la vuelta?
¿La moda de lo que se está haciendo fotográficamente? ¿Si sí? Sí. No para copiar, pero para aprender. Hay muy buenos fotógrafos en todas las ramas de la fotografía. Los fotógrafos de eventos, bodas, quinceaños, tienen buen uso de la luz y hay que agarrarles esa maña. Los profesionales sinceros, que no le pegan a ser “artistas”, creo que conocen lo que hacen, y por lo mismo lo hacen de una manera como nadie más lo podría hacer por los tecnicismos que manejan para hacer bien su chamba sin pretensiones. Los reporteros están bien cabrones, pues requieren de mucha fuerza para aguantar la vara de lo que fotografían y de sus jefes que no les importa lo que ellos piensan sino sólo lo
que la imagen comunica. De ellos hay que sacar esa fuerza para encontrar la imagen sencilla y que diga mucho con poco. Todos ellos hacen la moda de la imagen fotográfica y hay que ver todo eso para no quedarse atrás.
 
5) ¿vives de la fotografía?
Sí. Doy clases, exhibo, imprimo mis piezas, las promuevo, vendo, compro, leo, escribo y trabajo en la fotografía.
 
6) ¿Dejas espacio al azar?
No conscientemente. Solamente ocurre y ya. Yo trato de dejarlo entrar. Finalmente no sé todo lo que voy a hacer y hay que dejar un poco a la suerte. En cuanto al trabajo de otros, a veces me da flojera ver pura fotografía “snapshot” sin que plantee algo mas allá de eso. ¿Quién no puede volverse loco con una camarita y que le salgan 10 o 15 fotos chidas? ¿Pero después de eso, qué?
 
7) ¿Cuál es el motivo central de tu trabajo?
Siempre está cambiando. Va de la mano con lo que estoy estudiando, viendo, escuchando y luego lo que todo esto me hace pensar. Mis primeros trabajos eran sobre encon- trarme a mí mismo; una interiorización que me permitió entender qué quería. Después de eso busqué hacia fuera; en el otro, en espacios, paisajes, etc. Ahora me interesa explorar las construcciones mentales y físicas de nuestra cultura reflejadas en la urbanización. Yo creo que así como somos lo que contamos a los demás que somos, también somos la ciudad que construimos.
 
8) hay quien dice que la fotografía ya está hecha y el artista sólo la descubre
 
Mmmm, qué hueva si es así, ¿no?, ya que todos serían bue- nos artistas, pero la neta es que no es así. Tiene que haber un balance. No todos somos buenos cantantes, ni todos
somos buenos amigos, pero tiene que haber aficionados y compadres desgraciados para que todo funcione; es la desgracia del mundo (¿o no?). La fotografía ya dejó de ser algo superficial; la foto del cactus en la sierra, el retrato de extraños en la calle sin ningún sentido o el paisaje por el paisaje, eso sí, bien maquillados todos detrás de un chingo de photoshop. El balance está en que estas fotos sí hay que hacerlas, pero tendría el fotógrafo la responsabilidad de darse cuenta que eso no es ser artista; y por eso no siempre requiere una expo en un museo, o que lo colec- cionen. Esa foto es bonita, y sirve o para venderse como decoración o para Flickr. El que realmente quiere decir algo sobre el mundo necesita fotografiar más allá de una mera descripción; ¿quién todavía puede creer que en los 170 años de la fotografía, hacer ese tipo de imágenes te hace artista, cuando de seguro hay otras 100,000 personas más que ya hicieron exactamente la misma imagen, y hasta mejor? Ya no podemos hacernos los inocentes. El fotógrafo requiere encontrarse a sí mismo primero para luego hacer la fotografía, y eso es lo más difícil en cualquier medio artístico que uses.
 
9) ¿Te has quedado atrapado en una foto?
A veces. Siempre hay una imagen que te dice muchísimas cosas y por eso me apasionan los libros de foto, porque me puedo quedar días con las imágenes y encontrarles todo lo que pueden ofrecer.
 
10) ¿Trabajas mucho y expones poco?
Trabajo demasiado y expongo mucho. Este año estoy expo- niendo individualmente y colectivamente en el Fotofest de Houston, en el festival Foto 30 de Guatemala, en el festival de fotografía de Lishui, en China, en varios estados de México y de EUA, y termino el año con Photoespaña, en Sao Paolo Brazil.

Los sueños e intenciones de Alejandro Cartagena/entrevista en Revista Marvin

Hace un par de meses conocimos a Alejandro Cartagena, un fotógrafo regiomontano que está incursionando en diferentes proyectos de fotografía, desde la documental hasta el retrato. Alejandro ha ganado varios premios y ha expuesto su obra en muchos espacios. Hablamos con él sobre el difícil oficio de fotografiar, sus proyectos y su experiencia como migrante.
 
¿Cómo fue que descubriste la foto? Nos intriga que tienes relativamente poco tiempo dedicándote a esto.
Antes de hacer foto estaba en la onda de la música. En la prepa, el actual baterista de Volován me invitó a ser el cantante de su banda y ahí comenzó mi carrera en cuestiones creativas. Después estudié cuatro semestres en la Facultad de Música, donde hice un grupo con otros amigos, y terminé estudiando la carrera de Administración del Tiempo Libre por cuatro años en una universidad acá en Monterrey. Me pasé tres años entre el estudio, la música y trabajar en un restaurante. Finalmente, sucedió algo que me llevó a dejar eso y fue ahí donde encontré la foto. Era algo que podía hacer en soledad, me ayudó a salir de ese hoyo en el que me había metido. Desde que comencé siempre sentí mucha prisa, porque había invertido tanto tiempo en otras cosas que ya no iba a volver a hacer, así que me puse las súper pilas.
 
¿Cómo fue tu formación profesional?
El primer maestro que cambió mi idea de lo que podía hacer con la foto fue Gerardo Montiel. Eso fue en el 2004. Después de tomar un taller con él, supe que esto era para mí. En ese momento había chocado mi carro por Playa del Carmen, y con el dinero que me dieron por la pérdida total me fui a París. Ahí me la pasé en la biblioteca del Georges Pompidou: ocho horas al día investigando todo sobre lo que había visto en el taller de Gerardo. Me volví loco por la foto. Entonces comencé a tomar todo taller o curso que hubiera en Monterrey. Siempre sigo en formación, de hecho me voy a Madrid en verano a una clase con el fotógrafo inglés Paul Graham.
 
Me interesa saber tu opinión respecto de quienes piensan que la creatividad no tiene mucho que ver con la foto, y la asocian más a las artes clásicas como la pintura o escultura.
Qué te puedo decir. Si eso creen pues ni modo. Hay pintores que qué hueva con sus naturalezas muertas o manchas. Hay fotógrafos que no entienden las posibilidades que tiene la imagen fotográfica y hacen que la gente siga pensando en el fotógrafo de “florecitas” y atardeceres que definitivamente no tiene nada de creatividad.
 
¿Te gustaría contarnos un poco sobre tu experiencia de migración?
Nací en República Dominicana, mi padre es dominicano y mi mamá mexicana. Cuando tenía 13 años mis padres decidieron venir a vivir a Monterrey, eso fue en 1990. Fue algo fuerte para mí, dejar familia y amigos. En el momento no lo asimilé así, ahora que veo atrás me doy cuenta cuán aislado me hice de mi familia y de la escuela. Mi esposa es psicóloga y tenemos grandes conversaciones sobre cómo pudo ser “Alejandro el autista” y “Alejandro el amiguero, merenguero y desmadroso”. Es como tener a otra persona metida dentro de ti que sale a su conveniencia. Creo que eso se ve en mi producción, ya que puedo hacer imágenes que hablen de procesos y estados psicológicos. También puedo hacer fotografías sobre el entorno natural y estar completamente apasionado con ambas ideas al mismo tiempo.
 
Se dice que para ser fotógrafo se requiere de una mirada especial. ¿Qué es eso que tú ves y después nos muestras en tu obra?
Supongo que sí se requiere de una mirada especial, pero no creo que en un sentido convencional. El fotógrafo requiere de una mirada diferente hacia la vida y el mundo, no tanto en su forma de componer, que creo es algo adquirido. Si tuviera tiempo aprendería a pintar o hacer esculturas, pero en mi agenda personal necesito un medio más inmediato. Definitivamente he tenido que ponerme a entender qué es la fotografía, qué fue, lo que se ha hecho con ella, ¿por qué?, ¿para qué?, ¿quién?, ¿cómo?, para realmente saber qué puedo hacer con ella y aún después sentir que hay más puertas, saber cómo puedo usar la foto para expresar mis ideas.
 
¿Cómo eliges los temas de tus series? ¿Debe de surgir cierta conexión entre el artista y el modelo a la hora de las sesiones?
La mayoría de mi trabajo, retratos y paisajes, los escojo porque tienen algo que ver con mi vida. En los paisajes siempre está la idea del cambio, humano o natural, y eso tiene que ver con mi experiencia de ser inmigrante. De alguna manera estos paisajes son metáforas de lo que me pasó cuando me vine a vivir a México. Los retratos igual tienen que ver con lo que veo en la gente a mi alrededor, o con perversiones personales reprimidas.
Mis retratos son casi siempre imágenes armadas o escenificadas. Siempre hay para mí una idea antes de hacer la toma, eso elimina este cliché de que voy en busca de ese “momento decisivo” que retratar, lo cual no significa que no me interese esa parte. Es decir, se me hace muy interesante generar imágenes que parezcan “reales”, pero al tener control absoluto tanto en la toma como en la postproducción, puedo generar un mensaje más claro sobre mi idea, y ahí es donde creo que está el truco para que se entienda lo que quieres decir.
 
¿Qué tan importante es para un artista como tú haber conseguido tantas exposiciones? También me gustaría que nos hablaras un poco sobre los concursos que has ganado.
Muy relevante. Estar exponiendo una y otra vez te mantiene vigente, activo y experimentando con la parte de la producción que es súper importante para que el mensaje termine de llegar al espectador. Ganar un concurso o sacar una mención es emocionante, desgastante e importante. Cuando he ganado un premio económico, como la reseña plástica de Nuevo León, me ha servido como una oportunidad para actualizar el equipo con que trabajo o para producir obra para nuevas convocatorias. Cuando sólo es un reconocimiento me sirve para que el currículum se vea más “choncho”. Es raro hablar de logros. Supongo que como soy un poco bipolar y ayer me emocionaron y hoy no, ya no sé qué decir sobre ellos.
 
¿Cuáles son tus proyectos futuros?
Ahorita estoy trabajando de manera constante con dos series (Ríos Perdidos y La nueva topografía de Nuevo León), ambas sobre el nuevo paisaje mexicano. Estaré exponiendo eso durante este y el próximo año. También trabajo intensamente para participar en más exposiciones en E.U. En lo que va del año he participado en una subasta en el Houston Center for Photography, ahí gané un segundo lugar en una exhibición en el Photographic Center Northwest en Seattle, y la semana pasada regresé de N.Y., donde una galería estará promoviendo mi trabajo próximamente.
 
Si te lo ofrecieran, ¿cambiarías de país de nuevo?
Sí, definitivamente. ¡Soy un junkie del cambio!
 
Marvin es una revista de culto. ¿A qué o quiénes le rindes culto?
A la hiperactividad; a nunca dejar de hacer cosas.